29 junio 2010

Scoop Canela: Le Creative Sweatshop



Le Creative Sweatshop nace en enero de 2009 del encuentro entre Ndeur y Make a Paper World en Toronto (Canadá).




(Instalación para los escaparates de La Rinascente en Palermo)

Mathieu Missiaen, pintor y escultor autodidacta de origen francés, emigró a Canadá en 2007 donde fundó Ndeur Shoes y se centró, sobre todo, en la personalización de zapatos vintage.

Julien Morin, también de origen francés, estudió comunicación y marketing. En 2007 lanza su primer Paper Toy y desde entonces el papel y el DIY (do it yourself o háztelo tu mismo) es la base de todas sus campañas de comunicación y Make a Paper World es su filosofía.




(Editorial para la revista WadMag)

Si queréis ver todos los trabajos de esta pareja de creadores no dudéis en visitar su página web, todo un lujo. Imprescindible el realizado para Amusement Magazine.




(Editorial para Amusement Magazine)

27 junio 2010

Paco Rabanne o el arte de la metalurgia



La década de 1960 es una década en la que los jóvenes se rebelan en contra de sus padres y desarrollan una marcada actitud política como consecuencia de los complicados conflictos internacionales que se suceden y que influyen con profundidad en toda la estética que envuelve la década.

Las nuevas prendas tenían que ser anti-convencionales, ingeniosas e irreverentes. Entre todos los diseñadores que surgen en esta década Paco Rabanne (España, 1934) supo aunar a la perfección dichas características.



Estudió Arquitectura, y antes de abrir en 1967 su casa de alta costura en París, trabajó como diseñador de accesorios para Courrèges, Cardin, Nina Ricci, Dior, Balenciaga y Givenchy y como diseñador de calzado para Charles Jourdan.

Plástico, metal, papel con hilos de fibra de nylon®, cota de malla, fibra óptica o cuero fluorescente, son algunos de los materiales “ajenos” hasta entonces a la moda con los que Paco Rabanne construyó sus mejores piezas.





Son prendas de líneas geométricas muy depuradas imposibles de llevar, pero que son auténticas obras de arte, como lo confirma el hecho que muchas de ellas hayan sido adquiridas por museos, entre ellos el MoMA de Nueva York.

Es además el responsable del vestuario de algunas de las películas mas rompedoras de la década de 1960 como Barbarella de Roger Vadim y Two for the road de Stanley Donen.



Es un inconformista e innovador que ha impactado con sus creaciones y cuya audacia a la hora de crear sus prendas ha sido, es y será, un referente en el mundo de la moda.

Algunas de sus mejores creaciones las podéis ver en este enlace de su página web o, si os podéis desplazar hasta Portugal, en la exposición Paco Rabanne, designer and rebel, hasta el 4 de julio de 2010 en el Estoril Fashionart Festival.

25 junio 2010

¿Qué tienen en común Guy Bourdin, Irving Penn, Helmut Newton y Diane Arbus?



La respuesta es muy sencilla, gracias a la influencia de cada uno de estos maestros de la fotografía del siglo XX hoy en día podemos disfrutar del esplendido, original y maravilloso trabajo de Christian Kettiger.

Christian Kettiger (Suiza, 1962) llegó a París en 1985 dónde comienza su carrera como fotógrafo profesional siendo el asistente de Steve Hiett para, en 1986, dar el salto y publicar sus fotografías en Marie Claire (Italia, España y Reino Unido) y Vogue Bellezza. Desde 1990 colabora de forma habitual con Elle Francia.

Guy Bourdin y su trabajo en Zoom Magazine hizo que decidiera convertirse en fotógrafo, Irivng Penn le descubrió la capacidad de iluminar una fotografía sin ningún tipo de artificio y Helmut Newton, sinónimo de elegancia, sofisticación, fetichismo y mujeres de piernas infinitas, le descubrió el erotismo elevado a la categoría de arte y su influencia queda patente en su serie dedicada a la lencería.





¿Y dónde se sitúa la influencia de la transgresora Diane Arbus? Pues su influencia queda más que patente en su trabajo más personal.

Diane con su extraordinaria capacidad para retratar con respeto e impacto personas excluidas por una u otra razón de lo que nos han enseñado como “sociedad normal”, ha hecho posible que el trabajo más personal de Christian Kettiger sea eso, personal e intransferible; y para muestra un botón, su trabajo más reciente, realizado en un pueblo de EEUU en el que retrata con sencillez y emoción a todos los miembros de un circo.
(Photos by Christian Kettiger, más en su web)

24 junio 2010

De cuando en Europa se vestía a la española... Black is black


(Golilla. Anónimo)

En el siglo XVI, no existían las pasarelas de Milán, París o Londres, pero Felipe II, que por aquel entonces reinaba en España, consiguió que toda Europa vistiera “a la española”.

Felipe II, de la dinastía de los Austrias, embelesó a todos con la forma de vestir de la Corte española, puso de moda la golilla, el guardainfante, el verdugado y la saya, transformó el negro en tendencia universal y lo internacionalizó como el color de la elegancia, el poder y la posición social hasta que, en 1660, llegó Luis XIV se casó con la infanta María Teresa y la moda parisina y sus excesos tomaron Europa.


(El guardainfante por Velázquez)


En el museo MoMu de Antwerp puede verse hasta el próximo 8 de agosto la exposición BLACK. Masters of Black in Fashion & Costume en la que se analiza la influencia del color negro en la pintura y en la moda a lo largo de la historia.
Negro ébano, negro azabache, negro antracita, negro alquitrán, negro carbón, negro noche, negro betún, negro pez… Diferentes tonalidades para un mismo fenómeno: la ausencia total de color.



(Ann Demeulemeester)

Ann Demeulemeester, Olivier Theyskens, Riccardo Tisci para Givenchy, Chanel o Gareth Pugh entre otros, son algunos de los diseñadores cuyas prendas ilustran esta exposición porque, con sus maravillosas creaciones, han conseguido que prevalezcan las connotaciones positivas de elegancia y sobriedad del color negro sobre las negativas de muerte, luto, pena o superstición.



(Olivier Theyskens para Nina Ricci)


(Gareth Pugh)


(Riccardo Tisci para Givenchy)

(Photos via style.com)

17 junio 2010

Deborah Turbeville... Un perfecto pasado imperfecto



Deborah Tuberville (EEUU, 1938) nació y creció en Nueva Inglaterra pero a los diecinueve años se trasladó a Nueva York donde comenzó su andadura como editora de moda en Harper’s Bazaar para terminar siendo una de las fotógrafas más originales y enigmáticas que hay en el panorama actual.




Tiene un sentido de la composición muy particular lo que hace que sus fotografías sean inconfundibles.
Cuando ojeamos sus editoriales de moda, que publica de forma regular en Vogue, L’Uomo Vogue, Zoom y W, podemos observar como las modelos, las prendas y el atrezzo están situados en un aparente azar, es como si no interactuasen entre si, lo que da lugar a unas oníricas atmósferas cargadas de dramatismo, misterio y ambigüedad.


13 junio 2010

Lula is mad for... Piet Paris



Pieter’t Hoen (Holanda, 1962), cuyo nombre artístico es Piet Paris, es el artífice de las maravillosas ilustraciones que el año pasado acompañaron la campaña de los famosos almacenes Saks Fifth Avenue en la que, hasta el mismísimo museo Guggenheim, se convertía en un rompedor vestido strapless.



Se graduó en 1988 en la Academia de las Artes en Arnhem, ciudad en la que, además de ser el cofundador de el Fashion Institute, enseña diseño de moda y diseño 3D y, en 1990 fundó su Studio Piet Paris.



Sus ilustraciones, elegantes y de vibrantes colores y contrastes, y de una trazo muy reconocible, son algo más que un simple dibujo, tienen tal poder visual que no dejan indiferente a nadie. Han aparecido en periódicos y revistas de todo el mundo, como por ejemplo, Vogue Japón.





Si queréis conocer más el trabajo de este ilustrador, no dudéis en visitar su página web.

07 junio 2010

Pioneras: Josephine Baker



Josephine Baker (1906-1975), americana de nacimiento y francesa de corazón, fue una pionera y una transgresora dentro y fuera del escenario.

Rompió normas tanto estéticas como artísticas, sus estilismos, su maquillaje y su peinado unido a su forma de bailar y su comportamiento marcaron una época, la década de 1920, que sigue influyendo a día de hoy.

Emigró a Philadelphia e intentó unirse a un grupo de danza, pero fue rechazada por torpe de modo que se trasladó a Nueva York donde acabaría actuando en el Cotton Club de Harlem.

Pero el racismo que sufría en EEUU, unido a que en la década de 1920 la modernidad se fraguaba en París, hacen que se traslade hasta allí donde, junto a Coco Chanel que revolucionó la moda, se convirtió en la mujer estereotipo que representa a la perfección el espíritu de la época: frenesí y libertad sexual a partes iguales.



En 1925 aparece en el escenario del teatro Music Hall vestida con un cinturón hecho de bananas, fue el comienzo de la leyenda… En tres meses bailaba en el Folies Berège, de modo que ella se convertía en la artista mejor pagada de Europa, el jazz en la música que lo impregnaba todo y el charlestón en el baile que se extendió por toda Europa.


01 junio 2010

Canela Fashionable... Illustrated by Cristina Cortés


Se dice que cuando uno visita una ciudad y quiere volver a ella, siempre tiene que dejar algo por hacer, algo que tarde o temprano le obligue a volver para cerrar el círculo.

En mi caso, la ciudad en cuestión es Nueva York y “el algo por hacer” es el MoMa. He estado dos veces en Nueva York y en ninguna de las dos ocasiones me ha sido posible visitar el MoMa. En una de ellas, estaba cerrado gracias a que el huracán de turno acabó con el tejado, y en la otra, digamos que fue un lapsus mío.

En resumen, que no he tenido el placer de disfrutar de El Sueño, el maravilloso cuadro que Henry Rousseau pintó en 1910 y que se encuentra en el MoMa, pero gracias a la única, la irrepetible, la inigualable Cristina Cortés, que saca tiempo de donde no lo hay, puedo disfrutar de nuestra heroína ataviada con un vestido Óscar de la Renta y zapatos de Louis Vuitton, todo O/I 09-10.