Scoop Canela: Iain Crawford

Iain Crawford is a London-based photographer specializing in fashion.

He has worked for an international range of magazines and high-end clients like Vogue Sposa, Dazed and Confused, Body Shop, Lancome, Max Factor or Givenchy.

He employs make-up, vivid paint and tossed powders to get these glamorous and stylish effects without using a single item of clothing.

These coloured and fantastic photos are part of the Beauty series; you can enjoy his portfolio on the website.

Yousuf Karsh, el alma del siglo XX

(Pau Casals)

Yousuf Karsh (Mardin,1908-Bostón,2002), es uno de los maestros de la fotografía del siglo XX.

Canadiense de origen armenio, su familia se exilió en Canadá donde el aprendió fotografía a las ordenes de su tío.

Ha inmortalizado a personalidades del mundo de la ciencia, el arte, la política, la literatura, el cine, etc… Como son: Alberto Moravia, Albert Einstein, Alexander Calder, Christian Dior, Fidel Castro, Man Ray, Anna Magnani, Eisenhower, Indira Gandhi, John F. Kennedy, Pablo Picasso o Giorgia O’Keeffe entre otros muchos, pero la fama le llegó con el retrato que le hizo a Winston Churchill en 1941, el cual, fue portada de la revista Life y reproducido en sellos de varios países.



La lista es interminable, cuando en 1987 Yousuf Karsh dio por concluida su obra reunía más de 17.000 retratos, eso es lo que yo quería, los hombres y mujeres que han salvado a nuestra civilización.

Su intención siempre fue capturar el alma de la persona, y a pesar de tratarse la fotografía de un medio estático, Yousuf Karsh fue capaz, jugando con las luces y las sombras, de captar el carácter, la personalidad y la importancia del personaje retratado.


(Albert Einstein)


(Joan Baez)

Con motivo del centenario del su nacimiento, la Galleria Carla Sozzani de Milán en colaboración con la agencia Grazia Neri presenta una selección de sus retratos más emblemáticos.

(Yousuf Karsh is one of the masters of 20th century photography. His body of work includes portraits of statesmen, artists, musicians, authors, scientist, and men and women of accomplishment. His extraordinary and unique portfolio presents the viewer with an intimate and compassionate view of humanity).

Michel Comte, glamour y denuncia

(Helena Christensen, Vogue Italia, 1993)

Michel Comte (Zurich, 1954) no es un fotógrafo de moda al uso.

A pesar de su reconocimiento y proyección internacional, ha firmado campañas para Armani, Versace o Chanel y publicado en Vogue Italia, L’uomo Vogue o Vanity Fair, Michel Comte ha viajado para Cruz Roja Internacional a países en guerra como Sudán, Bosnia e Irak y documentado las vidas de las víctimas anónimas de estos conflictos.

Autodidacta y autor de la fotografía más famosa de Carla Bruni (en ella la ex modelo aparece desnuda), Karl Lagerfeld desencadenó un ascenso meteórico en su carrera convirtiéndole en uno de los fotógrafos de moda más representativos del siglo XX cuando, en 1979 le encargó su primera campaña publicitaria para Chloé.

El retrato ha sido una constante en la obra de Michel Comte. Ha creado grandes iconos de la fotografía de moda e inmortalizado a personalidades de la talla de Hillary Clinton, Charlotte Rampling, Robert Altman, Veruschka o Sophia Loren.

(Charlotte Rampling, Vogue Italia, 1992)

(Veruschka, Per Lui, 1990)

Ahora, el Museum für Gestaltung de Zúrich presenta la primera gran exposición de la obra de Michel Comte.

En ella, hasta el próximo 3 de enero de 2010, se puede ver desde el glamouroso mundo de las estrellas, las modelos y la publicidad hasta los reportajes que Michel Comte ha realizado para Cruz Roja Internacional.

Melanie Pullen, ¿el arte de la moda o la moda del arte?

(The Weitzman File. Melanie Pullen)

La frontera que separa el arte y la moda, dos disciplinas aparentemente muy antagónicas, es cada vez más difusa.

Normalmente suele ser la moda la que cita al arte.

Nunca ningún otro creador se ha inspirado y homenajeado tanto el arte como Yves Sant Laurent, quien en su discurso de retirada, expuso la relación, no del todo bien definida, que existe entre moda y arte al afirmar que la moda no es un arte, pero para dedicarse a ella hay que ser un artista. E inolvidables son sus creaciones inspiradas en Picasso, Mondrian o Matisse por nombrar algunas.



Y nunca ningún otro artista como Gustav Klimt, pintor vienés y líder del movimiento de la Secesión Vienesa, ha homenajeado mejor la moda al retratar los ropajes de las mujeres burguesas del siglo XIX.

Desde una perspectiva mucho más radical y contemporánea, nos encontramos con la fotógrafa americana Melanie Pullen (Nueva York, 1975), quien ha publicado sus fotografías en revistas de moda tan prestigiosas como Vogue Italia, Elle o Vogue Japón, pero su obra más famosa es High Fashion Crime Scenes.

(Untitled, Metro Series. Melanie Pullen)

High Fashion Crime Scenes consiste en una serie de provocadoras fotografías en la que la artista recrea escenas de crímenes famosos disfrazados de producciones de moda.

Un excelente trabajo para el que ha contado además de con la colaboración de modelos, estilistas y maquilladores, con las prendas de casas como Chanel, Prada o Gucci.

(Main Hall, Metro Series. Melanie Pullen)

(Snow Barrel, Barrel Series. Melanie Pullen)

La serie completa la encontraréis en su web.

Fashion Coke Diet

La botella contour tan característica de Coca Cola no es sólo un envase; es un icono universal de la marca y referencia obligada en el mundo del diseño.

Figura en el MoMA de Nueva York además de como magnífico ejemplo de diseño como producto de contemplación universal.

Artistas como Andy Warhol, Robert Raushenberg y Jasper Johns la han incorporado en sus obras.

Y la moda, como herramienta de comunicación que es, no podía faltar.

El primero fue el italiano Elio Fiorucci en 2003.



Y a partir de ese momento son muchos los diseñadores y estilistas que “han vestido” la botella contour con sus creaciones.

Manolo Blahnik la transforma en un objeto de deseo con sus sandalias rojas de tacón.



Nathalie Rykiel, hija de Sonia Rykiel, como no podía ser de otra manera, la viste con las emblemáticas rayas marca de la casa.



Roberto Cavalli, el rey del print animal, nos deleita con tres versiones de su estampado más universal.



Patricia Field, famosa por sus estilismos de Sexo en Nueva York, nos presenta su neoyorquina versión.



Y finalmente Zac Posen le imprime su toque particular.

Louis Vuitton: A Passion for Creation

Louis Vuitton, símbolo de la elegancia y savoirvivre, ha mantenido desde su fundación en 1854 una estrecha relación de amor con el mundo del arte.

Relación que se ha visto reforzada con la llegada de Marc Jacobs y su “fino olfato” para el marketing.

A él le debemos las estimulantes y enriquecedoras colaboraciones de Stephen Sprouse, Richard Prince y Takasi Murakami.

Lo que comenzó siendo una casa de marroquinería con impresionantes baúles y maletas que te podían llevar al fin del mundo, ha terminado, en pleno siglo XXI, con la Fondation Louis Vuitton pour la Création con sede en Bois de Boulogne a las afueras de París.

Un impresionante edificio respetuoso con el medio ambiente y diseñado por Frank Gehry albergará la colección permanente así como las exposiciones temporales.

En el Hong Kong Museum of Art se puede ver hasta el próximo 8 de septiembre la exposición Louis Vuitton: Passion for Creation.

En ella se exponen en primicia una selección de los trabajos de artistas emergentes y consagrados que formarán parte de la Fondation Louis Vuitton pour la Création:

Gilbert and George (1986),



Yang Fudong (2003-2007),



y Bertrand Lavier (2005).


(Photos from the museum)

Las "Vintage Atmospheres" de Franco Franceschi

Vintage Atmospheres es una sorprendente exposición que puede verse hasta el próximo 25 de septiembre en el Instituto de Cultura Italiano de Copenhague a cargo del fotógrafo italiano Franco Franceschi.

Con una sólida formación en arte, el dibujo y la pintura son sus dos pasiones, Franco Franceschi se inició en la fotografía de moda hace ya más de 25 años.



Ha colaborado con importantes revistas de moda como la italiana Amica y Harper’s Bazaar, con casas editoriales como Mondadori o Rizzoli y entre sus clientes se cuentan Emporio Armani, Emilio Pucci y Ferragamo.



Su continua búsqueda del detalle, como él mismo lo ha definido, le ha llevado a distanciarse de la fotografía de moda e iniciar esta búsqueda en la naturaleza, arquitectura y el cine.

Gracias a esta exposición tenemos la oportunidad de descubrir o redescubrir, según el caso, algunas de las imágenes más sugerentes y envolventes que Franco Franceschi realizó durante las décadas de 1980 y 1990.

(Via DAZEDdigital.com. Photos Franco Franceschi web)

De metáforas y moda

(Sonya Clark; Coppertone Covet, 1994.Monedas de cobre. Cortesía del artista)

La Rae define una metáfora como tropo que consiste en trasladar el sentido recto de las voces a otro figurado, en virtud de una comparación tácita.

Si "voces" lo sustituimos por "moda" el resultado es la exposición Dress Codes: Clothing as a metaphor, que puede verse hasta el próximo 4 de octubre en el nuevo museo sobre las artes que ha visto la luz en Nueva York, el Katonah Museum of Art.

En ella, 36 artistas emplean la moda como medio de comunicación para reflexionar sobre la complejidad de la vida contemporánea.

Algunos de los temas que se tratan en la exposición son:

la globalización,


(Cat Chow; Power Ranger Kimono, 1998. Tarjetas. Cortesía del artista)

el desastre ecológoco,


(Yael Mer; 2 Evacuation Dresses, 2006. Cortesía del asrtista)

los cánones de belleza

(Maureen Connor; Thinner than You, 1990. Colección del artista)

y el racismo.

(Willie Cole; The Difference between Black and White, 2005-2006 . Zapatos, madera, metal. Cortesía de Alexander and Bonin; Photo credit: Jason Mandella)

(Photos Katonah Museum of Art)

Nothing Beats Reality. Pierre Winther

Las fotografías de Pierre Winther (Dinamarca, 1963), probablemente uno de los fotógrafos más interesantes que hay en el panorama artístico actual, tienen un estilo personal, único e inconfundible.

Con un particular y agudo sentido del humor negro, Pierre Winther no sólo fotografía, sino que analiza el comportamiento humano oculto con sarcasmo y cinismo.

Sus fotos, transgresoras, surrealistas y creativas, son piezas de arte atemporales en las que es difícil distinguir dónde acaba la ficción y empieza la realidad.

Como Shark Riding, su fotografía más famosa. En ella, el chico trata de domar el tiburón como si de un cowboy se tratara. Todo es real, no hay photoshop.



Pierre Winther ha fotografiado las campañas de Diesel, Dunhill, Hugo Boss, Levi's y Nike.

Ha publicado sus fotografías en revistas tan rompedoras como Dutch, The Face, iD, Rolling Stone y Vogue y ha dirigido videos musicales para artistas de la talla de Beastie Boys, Björk, Massive Attack y Tricky.



En la Camera Work Gallery de Berlín, y hasta el próximo 5 de septiembre, podemos disfrutar de Nothing Beats Reality, una retrospectiva de 60 fotografías del artista.

(Photos courtesy Camera Work Gallery, Berlín)

Fashion&Politics

(zapatos, USA by LaValle, 1938)

Cuando se habla de moda la mayoría piensa en alfombras rojas y star system, pero todos y cada uno de nosotros participamos de ella cada vez que elegimos un tipo de indumentaria y salimos a la calle.

La moda es la forma de comunicación más personal que tenemos, expresa quiénes somos y cómo queremos ser percibidos.

Y la política no es ajena a estas consideraciones: en el antiguo Egipto el rango social venía marcado por el color blanco (más difícil y caro de obtener), el tipo de tejido y el largo de las túnicas; en el Imperio Romano, la posición social la revelaba el tipo de calzado; durante el Renacimiento, el objeto definitorio del lujo y el poder eran los pañuelos y con la Revolución Francesa apareció el concepto de “moda informal” ya que desaparecieron todas las fruslerías y la aristocracia adoptó la forma de vestir de los revolucionarios para pasar desapercibida.


(vestido Nixon, 1967)

En el Museum at FIT de Nueva York se analizan 200 años de política a través de la moda.


(Vestido Mao de Vivienne Tam, 1995)

Se trata de la exposición Fashion&Politics que puede verse hasta el próximo 7 de noviembre.

En ella se exponen más de 100 piezas entre prendas y accesorios que dan una idea de los cambios culturales y progresos sociales de los últimos 200 años y de cómo la moda “ha vestido” estos cambios.

(American Flag, 1889)

(Photographs by Irving Solero)