Sobre moda, vanidad y una exposición en Viena

(Gjon Mili, T. Norell, Spring Fashions, Mushroom pleats © Gjon Mili / Getty Images)

Siempre he considerado la indumentaria como una forma de cultura que refleja los cambios, ya sean políticos, económicos, sociales u artísticos, que se producen en la sociedad en un momento determinado.

Por otro lado, siempre he considerado también la fotografía de moda como una manifestación artística, y no solo como un simple vehículo publicitario de la indumentaria. Sin obviar la pintura, es el medio que más se emplea para analizar y documentar estos cambios, así como para situarlos en una década o época determinada.

(F.C. Gundlach, „Pop Art-Fashion“, Grace Coddington. Minikleid von Daniel Hechter, Hamburg 1967, in: Brigitte 18/1967, © F.C. Gundlach)

Si durante la primera mitad del siglo XX, el glamour, la feminidad y la elegancia, fueron el centro de atención de la fotografía de moda, no fue hasta la década de 1960 con la llegada de Helmut Newton, Guy Bourdin e Yves Saint-Laurent que la moda miró y salió a la calle, y consiguió así, que la indumentaria se convirtiera en una manifestación artística que necesitaba se comunicada como tal.


(David LaChapelle, My House, Alek Wek, New York, 1997 © David LaChapelle / Art & Commerce)

En este sentido, la fotografía de moda se volvió más conceptual, ya no solo mostraba las prendas, sino que narraba una historia.

La exposición que se puede visitar hasta el próximo 12 de febrero de 2012 en el Kunsthalle de Viena lleva por título Vanity y gracias a las fotografías de Newton, Beaton, Avedon, Bourdin, Sara Moon, Lillian Bassman, William Klein, Irving Penn o Hoyningen-Huene, podemos analizar los cambios que se han producido en la comunicación de moda desde la década de 1920 hasta el presente.

(F.C. Gundlach, Brigitte Bauer, Op Art-Badeanzug von Sinz, Vouliagmeni/Griechenland 1966, © F.C. Gundlach)

(Photos courtesy Kunsthalle)

Scoop Canela: Felicity Brown o cómo desconstruir a Picasso

A principios del siglo XX Paul Poiret se preguntó ¿Soy un loco cuando intento llevar el arte a mis vestidos, o cuando digo que la Alta Costura es un arte?

Más tarde, Elsa Schiaparelli asoció la moda con el movimiento Surrealista, pero no fue hasta la década de 1960 con Yves Saint-Laurent y sus colecciones-homenaje a Picasso, Mondrian, Matisse o Braque cuando a la moda, a través de su lenguaje, la indumentaria, se la consideró un arte por pleno derecho.



Desde entonces, con mayor o menor fortuna, la búsqueda de la inspiración en el arte ha sido una constante.
Esto viene al hilo de mi último Scoop Canela, la diseñadora británica Felicity Brown, marca fundada en 2010 y cuyas dos únicas colecciones están inspiradas, con bastante buena fortuna, en el arte. Si la del pasado verano 2011 esta inspirada en la artista sudafricana afincada en Ámsterdam Marlene Dumas, para la de este otoño invierno el elegido ha sido Picasso.

Mezcla de texturas con las que «desconstruye» a Picasso, en concreto sus bocetos sobre bailarinas, y crea así unas piezas en las que la moda y el arte se fusionan en total armonía.

YSL (y punto)

(Reedito este post con motivo de la exposición homenaje a YSL que se puede ver en la Fundación Mapfre de Madrid hasta el próximo 8 de enero. Gracias Maestro)

El mejor vestido que puede lucir una mujer son los brazos del hombre que ama. Para las que no han tenido esa suerte, estoy yo, dijo una vez Yves Saint-Laurent, el genio de la Alta Costura, el virtuoso, el visionario, el mito.

Vistió a la mujer con esmoquin dos años antes de la revolución del 68, llevado por su inspiración de convertir en femenino lo masculino.

Revolucionó la forma de vestir de las mujeres, por eso cada vez que nos ponemos un simple pantalón, nos abrochamos una sahariana, elegimos el esmoquin para una fiesta o nos ajustamos el trench, se lo debemos a él.

YSL marcó un punto de inflexión en la moda gracias a :

1) el esmoquin femenino,

2) el traje pantalón, con el que combina la masculinidad del sastre con los colores ultrafemeninos,

3) la androginia,

4) la sahariana,

5) el estilo étnico,

6) los vestidos homenaje a los maestros de la pintura como Picasso, Mondrian,

o Braque, entre otros,

y 7) la incorporación de la modelo negra, en la foto Katoucha, su musa.

Porque vivimos en un mundo desordenado y decadente, en el que la belleza y la elegancia no importan demasiado. Me he sentido muy solo en mi lucha, por eso he decidido abandonarla. (Palabras, de plena actualidad, pertenecientes a su discurso de despedida de la Alta Costura)

Melanie Pullen, ¿el arte de la moda o la moda del arte?

(The Weitzman File. Melanie Pullen)

La frontera que separa el arte y la moda, dos disciplinas aparentemente muy antagónicas, es cada vez más difusa.

Normalmente suele ser la moda la que cita al arte.

Nunca ningún otro creador se ha inspirado y homenajeado tanto el arte como Yves Sant Laurent, quien en su discurso de retirada, expuso la relación, no del todo bien definida, que existe entre moda y arte al afirmar que la moda no es un arte, pero para dedicarse a ella hay que ser un artista. E inolvidables son sus creaciones inspiradas en Picasso, Mondrian o Matisse por nombrar algunas.



Y nunca ningún otro artista como Gustav Klimt, pintor vienés y líder del movimiento de la Secesión Vienesa, ha homenajeado mejor la moda al retratar los ropajes de las mujeres burguesas del siglo XIX.

Desde una perspectiva mucho más radical y contemporánea, nos encontramos con la fotógrafa americana Melanie Pullen (Nueva York, 1975), quien ha publicado sus fotografías en revistas de moda tan prestigiosas como Vogue Italia, Elle o Vogue Japón, pero su obra más famosa es High Fashion Crime Scenes.

(Untitled, Metro Series. Melanie Pullen)

High Fashion Crime Scenes consiste en una serie de provocadoras fotografías en la que la artista recrea escenas de crímenes famosos disfrazados de producciones de moda.

Un excelente trabajo para el que ha contado además de con la colaboración de modelos, estilistas y maquilladores, con las prendas de casas como Chanel, Prada o Gucci.

(Main Hall, Metro Series. Melanie Pullen)

(Snow Barrel, Barrel Series. Melanie Pullen)

La serie completa la encontraréis en su web.

Arte y moda: de genio a genio

(Photo 1)

“Me he inspirado en un gran número de pintores en mis diseños porque creo que el arte no sólo forma parte de la cultura, sino de la vida y hay que mostrárselo a todo el mundo.”
-Yves Sant Laurent -

Nunca otro creador se ha inspirado tanto en el arte como él. El maestro, gran coleccionista de arte, se inspiró en obras de Picasso, Mondrian, Wasselman, Matisse, Braque, Van Gogh o el Pop Art para idear algunas de sus creaciones más originales, inolvidables y espectaculares.

(Photos 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8)

Desde que te fuiste el mundo es un poquito más vulgar, pero otros muchos han seguido tu estela…

John Galliano para Dior HC, que en unas ocasiones, toma como referencia la paleta cromática de Vermeer y la concreta en una silueta extraída de la estética del siglo XVII al más puro estilo Van Dyck.

Y en otras, alterna el espíritu New Look con referencias a Picasso y Goya.







Los colores exuberantes del postimpresionista Gauguin influyen a Dries Van Noten.






Marc Jacobs para Louis Vuitton y su look inspirado en las enfermeras de la I Guerra Mundial al más puro estilo Richard Prince.




Thomas Gainsborough y Gustav Klimt inspiran a Christian Lacroix.





Dolce&Gabbana se dejan llevar por Pollock y Julian Schnabel en su colección P/V 2008.





Maison Martin Margiela, el outsider, cae en las redes del Surrealismo.



Lo mismo que les sucede a Viktor&Rolf.




Y Miuccia Prada, la visionaria, para su segunda linea Miu Miu, nos lleva hasta los recién reabiertos frescos de las ruinas de Pompeya.

(Photos via style.com except photos 1-8, I do not know who is the owner. If you are the owner, please notify me)