Sobre Moda, museos y exposiciones

Soy consciente que no estoy descubriendo la penicilina cuando digo que la Moda; sí, con mayúsculas, ya que me refiero a la Moda como sistema, ha conquistado los museos. 

Por un lado, es una forma de atraer visitas (toda EB que se precie se acercará a un museo a ver una exposición de moda, aunque solo sea por hacerse la foto); y por otro, y este es el punto de vista que interesa, es una forma de rendir homenaje a la trayectoria de muchos diseñadores que, con sus creaciones, han marcado un punto de inflexión en la Moda. 

El trabajo de Azzedine Alaïa se presenta hasta el 8 de septiembre en NRW-Dusseldorf bajo el titulo de Azzedine Alaïa – Couture in the 21st Century. 

El hilo conductor de la exposición se estructura en base a los diferentes materiales con los que Alaïa ha trabajado sus prendas; prendas que han llevado desde Michelle Obama a Grace Jones.

(photo Peter Stigter)

Acerca de la exposición sobre el punk del Metropolitan Museum de Nueva York no diré nada porque este año no he podido viajar a visitarla y se ha dicho de todo acerca de ella.

En el Royal Ontario Museum de Toronto se presenta una original exposición en la que, 31 victorianas muñecas de porcelana, lucen sobre una pasarela ficticia las prendas más icónicas de Viktor&Rolf.

Los diseñadores no tienen un modelo en propiedad de cada una de sus prendas, de modo que estas muñecas actúan a modo de archivo de sus creaciones. 

(photo Design Museum of London)

En Noviembre se inaugura en el Design Museum of London la exposición Hello, My Name Is Paul Smith en la que, además de recrear la caótica ofician de Paul Smith, se hará un recorrido por los 40 años de historia de la firma a través de sus piezas más icónicas, de sus tiendas y de su mujer y musa. 

En 1970 Paul Smith inauguró su primera tienda. Solo podía mantenerla abierta dos días a la semana porque el resto de los días se tenía que dedicar a otros quehaceres para sobrevivir. Cuarenta años más tarde posee más de 350 tiernas repartidas por todo el mundo.

Canela Fina on Instagram: LFW SS 2013 and architecture

Mi visión de la arquitectura londinense que he disfrutado durante la pasada semana de la moda SS 2013. Más en mi cuenta de Instagram: kik --->>> lulacanelafina

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La fotografía como intervención, exposición que puede verse hasta el próximo 9 de septiembre en el Museo ICO en la calle Zorrilla, 3 (Madrid).

Lula Mae is mad for... Julia Hetta

El trabajo de Julia Hetta, fotógrafo sueca que expone hasta el 1 de julio de 2012 en el museo Fotografiska, me ha hecho reflexionar acerca de las relación de amor-odio que han mantenido la pintura y la fotografía desde el nacimiento, de esta última, en el año 1839. 
Por un lado, sobre cuál de las dos disciplinas es el Medio (sí, sí, con mayúsculas) de expresión individual; y por otro, sobre cuál de las dos es capaz de transformar mejor la realidad en algo bello.
 
Hasta que llegó Delacroix, el pintor de la luz y el color y firme defensor de la fotografía, y las reconcilió cuando se lamentó por el nacimiento tardío de la fotografía. 
Julia Hetta realiza el cruce perfecto entre fotografía, moda y pintura. Sus composiciones tipo bodegón, encuadres, textura y manejo de la luz recuerdan sin ningún género de duda a los grandes maestros italianos.

Schiaparelli and Prada: Impossible Conversations

En la década de 1920 el caricaturista mexicano Miguel Covarrubias se instala en Nueva York y comienza a trabajar para la que es la revista que impone la moda y marca las tendencias en la época, Vanity Fair. 
En ella durante la década de 1930, se dedica a dibujar caricaturas de personajes famosos y a inventar diálogos absurdos entre ellos, los llama Los diálogos imposibles y consigue así que dialoguen de forma ficticia Shakespeare y la Metro Goldwin Mayer o Schiaparelli y Stalin, entre otros.

El Met Museum se inspira en estos diálogos de Covarrubias y en la exposición que inaugura el próximo 5 de mayo 2012 enfrenta en un dialogo ficticio a Schiaparelli y Miuccia Prada. 
Italianas de nacimiento y separadas por más de medio siglo, sus enfoques sobre la moda a la vez tan próximos -la asociación de ambas con el arte, por nombrar un ejemplo-, y tan distantes - el surrealismo de Schiaparelli y el posmodernismo de Prada-, las han convertido en dos personalidades icónicas de la Moda.

Pioneras: Diana Vreeland 'The Eye Has To Travel' (Book, Film & Exhibition)

(Photo: Louise Dahl-Wolfe, 1941)

Hay mujeres que son pioneras porque nacen para ser diferentes, nacen para hacer de su universo personal una regla universal, convirtiéndolo así, en la semilla del fruto que el resto de la humanidad saboreará durante décadas.

Diana Vreeland (1903-1989), parisina de nacimiento y neoyorquina de adopción, es una de ellas. Extravagante, brillante y exquisita, fue una pionera editora de moda en Harper's Bazaar primero y Vogue después.

Amiga de Cecil Beaton y de otras pioneras como Chanel y Louise Dahl-Wolfe, descubridora de Richard Avedon y Lauren Bacall, quien posó en la portada de Harper's Bazaar mucho antes de convertirse en actriz, hizo que su inspirador trabajo en estas publicaciones elevara a rango de arte el oficio de editora de moda.


Fue una pionera y una auténtica transgresora cuando en su columna Why Don't You…? Dictaba consejos que han sido (y serán) repetidos hasta la saciedad como Never fear being vulgar, just boring.

Cuando, por un lado, Stanley Donen se basó en ella para crear el personaje de Funny Face; y por otro lado; William Klein hizo lo mismo para el personaje de Who are you, Polly Maggoo?, cuando convirtió las exposiciones de moda en una tendencia gracias a su trabajo al frente del Met Museum, y cuando sacó, literalmente, la moda a la calle y fotografió editoriales por las calles de París o en el desierto de África.


(Diana Vreeland, Dovima y Richard Avedon)

Ahora, una década de después de su muerte, su influencia sigue vigente. Después del documental rodado por la mujer de su nieto y del libro The Eye Has To Travel, a partir de marzo de 2012 en el Fortuny Museum de Venezia podremos ver la exposición que resume todas sus contribuciones a la moda Diana Vreeland: The Eye Has To Travel. Toda una declaración de intenciones.

Scoop Canela Vídeos: Frédéric Sanchez

Frédéric Sanchez es el sound illustrator de los desfiles de moda por excelencia. Comenzó colaborando y componiendo música para otros artistas hasta que llegó Martin Margiela y le encargó la música de uno sus desfiles. Todo cambió.

Desde entonces, es el responsable de la música de los desfiles de Prada, Balmain, Valentino, Chloé, Givenchy, Miu Miu FW 2010, Anna Sui FW 2010, Marc Jacobs FW 2010, Calvin Klein SS 2011, Isaac Mizrahi SS 2011 o Alexander Wang SS 2011 (nombro alguna de las temporadas por si alguien quiere bucear en style.com y ver el desfile, pero sobre todo escuchar la música de Frédéric Sanchez).

En 2004 realizó su primera muestra colectiva en el museo del Louvre con una instalación de sonido llamada La Salamandra. Más tarde, en 2007, en la galería Serge Le Borgne presentó su primera exposición en solitario, Castles in the Air. Además es el responsable de la muestra que se celebró en la Cité de la Musique de París sobre Serge Gainsbourg y de la ambientación musical de la tienda de Prada en Tokyo.

Trabaja en estrecha relación con los diseñadores y analiza hasta el último detalle el desarrollo conceptual de cada colección. Esto da como resultado que su música minimalista no eclipse la puesta en escena del desfile, sino que acompañe a las prendas como si de una más se tratara.

Más en su web y en los desfiles en style.com

Inspiration Dior in Moscú

Christian Dior, es la quintaesencia de la elegancia.

Marchante de arte, modelista y dibujante de figurines en la casa Lelong conoce a Marcel Boussac, comerciante de tejidos, quien le propone abrir su propia casa de modas en 1946.

El New look, bautizado así por la legendaria editora de modas de Vogue, Carmel Snow, ve la luz en febrero 1947 y supone una revolución sin precedentes al romper con la supremacía de las faldas estrechas de décadas anteriores.



Hombros redondos, cintura estrecha y faldas largas, son sus señas de identidad y con ellas, Dior recupera la estética del llamado «eterno femenino».

Después del New Look llegaron otras líneas que Christian Dior siempre bautizó con letras; así tenemos la línea «H», la línea «A» y la línea «Y».



Una inteligente estrategia de mercado hace que a partir de 1948 Dior diversifique su marca mediante contratos de licencia: lencería, medias, corbatas, perfumes y complementos.

Christian Dior murió en 1957 pero gracias a Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré y desde 1996 John Galliano, su esencia ha llegado intacta hasta hoy.



(Escribí este post hace unos meses cuando Galliano todavía era el director creativo de Dior pero no he querido publicarlo hasta hoy cuando, en el museo Pushkin de Moscú, le rinden homenaje (a Dior no a Galliano, se entiende, ¿no?) con la exposición Inspiration Dior, en la que se hace un repaso a las prendas que Dior diseñó inspirándose en el arte.)

Lula Mae is mad for... New York, descansar y la exposición de Miss Van

Ir a Nueva York se ha convertido en un ritual, es la tercera vez que la visito y sé que no será la última. Sí algo o alguien gusta, ¿por qué cambiarlo?

Esta vez, aparte de visitar la exposición de McQueen en el Met, la de Sonia Delaunay en el Cooper-Hewitt, callejear, y escaparme un fin de semana a Boston, me espera la inauguración de la exposición de mi amiga Miss Van el 26 de mayo en la Jonathan Levine Gallery, coincidencia sin haberlo planeado, pero eso sí, nos faltará Socatoba, otra genial artista y amiga.

Nos encontramos de nuevo dentro de dos semanas aquí.

Un beso.

De cuando en Europa se vestía a la española... Black is black

(Golilla. Anónimo)

En el siglo XVI, no existían las pasarelas de Milán, París o Londres, pero Felipe II, que por aquel entonces reinaba en España, consiguió que toda Europa vistiera “a la española”.

Felipe II, de la dinastía de los Austrias, embelesó a todos con la forma de vestir de la Corte española, puso de moda la golilla, el guardainfante, el verdugado y la saya, transformó el negro en tendencia universal y lo internacionalizó como el color de la elegancia, el poder y la posición social hasta que, en 1660, llegó Luis XIV se casó con la infanta María Teresa y la moda parisina y sus excesos tomaron Europa.

(El guardainfante por Velázquez)


En el museo MoMu de Antwerp puede verse hasta el próximo 8 de agosto la exposición BLACK. Masters of Black in Fashion & Costume en la que se analiza la influencia del color negro en la pintura y en la moda a lo largo de la historia.

Negro ébano, negro azabache, negro antracita, negro alquitrán, negro carbón, negro noche, negro betún, negro pez… Diferentes tonalidades para un mismo fenómeno: la ausencia total de color.



(Ann Demeulemeester)

Ann Demeulemeester, Olivier Theyskens, Riccardo Tisci para Givenchy, Chanel o Gareth Pugh entre otros, son algunos de los diseñadores cuyas prendas ilustran esta exposición porque, con sus maravillosas creaciones, han conseguido que prevalezcan las connotaciones positivas de elegancia y sobriedad del color negro sobre las negativas de muerte, luto, pena o superstición.

(Olivier Theyskens para Nina Ricci)


(Gareth Pugh)


(Riccardo Tisci para Givenchy)

(Photos via style.com)

Arte y Moda: Mariano Fortuny y Madrazo

Mariano Fortuny y Madrazo (Granada, España, 1871-1949), hijo del pintor catalán del mismo nombre y de Cecilia Madrazo, es el más claro ejemplo de la fusión del arte con la moda.

Hombre polifacético que cultivó la arquitectura, la pintura, la escultura, la fotografía, la escenografía y la moda entre otras muchas disciplinas, solo se consideraba a si mismo pintor.

Sus diseños de moda, vanguardistas y rompedores, son los únicos que han sido calificados como obras de arte.

Su primera creación fue el chal Knossos, una túnica de corte similar a un sari confeccionada con tela estampada.



Y en 1907, adelantándose a Poiret en la liberación de la mujer del corsé, creó el vestido Delphos a partir de una tela plisada que caía desde los hombros hasta los pies sin costuras y se unía en los hombros por cuentas de cristal de forma que proporcionaba a la mujer la libertad de movimientos que tanto deseaba. (Foto que abre este post)

El Dephos es un vestido envuelto en misterio, a día de hoy nadie ha conseguido descifrar como Fortuny plisaba y teñía la tela hasta conseguir la tonalidad deseada.

Hasta el próximo 27 de junio el Museo del Traje de Madrid presenta la exposición Inspiraciones que reúne 130 obras de uno de los artistas más creativos del pasado siglo XX.

(Fotos via Museo de Traje)

Ausencias vestidas & reflejos desnudos... Federico García Lorca

Moda, arte y literatura unidos hasta el próximo 25 de abril gracias a la exposición Ausencias vestidas & reflejos desnudos que puede verse en el Museo del Traje de Madrid, en la que los artistas Mar Garrido y Luis Casablanca concentran la esencia de la belleza del universo femenino lorquiano.



El teatro necesita que los personajes que aparezcan en la escena lleven un traje de poesía

y así Bernarda Alba, Rosita la Soltera, María Josefa, Adela o Soledad Montoya cobran vida a través de delicados y sensuales trajes-escultura artesanales realizados en papel, cartón, terciopelo y seda.



Una maravilla, el poético mundo lorquiano concentrado en una prenda, ¿qué más se puede pedir?

(vía Museo del Traje de Madrid)

Veinte años no es nada... Manuel Outumuro

El Disseny Hub Barcelona (DHUB) presenta, hasta el próximo 25 de abril, la exposición Outumuro LOOKS. Vint anys fotografiant moda, en la que el fotógrafo Manuel Outumuro (A Merca, Ourense, 1949), reúne más de 200 fotografías de las que 1oo pasarán a formar parte de la nueva colección de fotografías de moda del Museu Tèxtil i d’Indumentària de Barcelona.



Manuel Outumuro, gallego de nacimiento pero barcelonés de adopción, se formó en la Escola Massana de Barcelona y tiene su estudio en un palacio del siglo XVII en el barrio de Ciutat Vella.

En él ha creado las imágenes más bellas de los últimos 20 años en el ámbito de la moda, porque Manuel Outumuro sabe como “sacar” bella a una mujer. Sencillez, elegancia y equilibrio son sus armas para conseguirlo, nadie se resiste a su objetivo. Por él han posado y desfilado todos los grandes nombres, nacionales e internacionales, del mundo de la moda, así como actrices y personalidades relevantes.



Guillermina Baeza, Antonio Miró, Julie Sohn, Amaya Arzuaga o Carolina Herrera han sido algunos de sus clientes.

Vogue, Elle, Marie Claire, Telva, Woman o El País Semanal son algunas de las publicaciones con las que ha colaborado a lo largo de estos 20 años.

Y es el autor del anuncio Un cuerpo Danone con Cindy Crawford y Valeria Mazza, así como del material promocional de la película Los Otros de Alejandro Amenabar.

(Via El País Semanal)