El 'Visionaire' Alexander McQueen

Qué obsesión con llamarle Lee, si en vida, a nivel profesional nunca se le llamó por su primer nombre, ¿por qué hacerlo ahora?

Para todos los que admiramos y adoramos su trabajo, Alexander McQueen fue, es y será siempre eso, Alexander McQueen, el maestro de la aguja y del patronaje que tan bien aprendió en Savile Row después de estudiar, como no, en la Central Saint Martins College of Art and Design de Londres.

Isabella Blow, Nick Knight, los sastres Anderson & Sheppard de Savile Row y Givenchy son algunos de los nombres que forman ya parte de su biografía y en el libro homenaje que lanza Visionaire participan otros muchos como son Mario Sorrenti, Steven Meisel, Mario Testino o Lady Gaga.

Se ha editado en dos versiones, una edición limitada que podríamos llamar Haute Couture al módico precio de 1500 euros y, otra versión más democrática o ready to wear a 350 euros.

Se puede adquirir en las tiendas de Alexander McQueen de Londres, Milán, Nueva York, Los Ángeles y Las Vegas, y por supuesto en la parisina y exclusiva Colette.

(Vía Viacomit.net)

Lula Mae is mad for... Johan Ku y sus Emotional Esculptures

Cuando descubrí el maravilloso y original trabajo de Johan Ku no supe si englobarlo dentro del campo del arte conceptual, de la moda o de ambos.

Hablaba en el anterior post que la delgada línea que separa arte y moda cada vez se estrecha más y hete aquí otro claro ejemplo de ello.

Un artista conceptual basa sus obras en conceptos que realiza con objetos de uso común y un diseñador, cito textualmente la Rae, es una persona que diseña.

Si por diseñar se entiende como la concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie, el trabajo de Johan Ku es ¿arte o moda? ¿Llegará a producir en serie su premiada colección Emotional Esculpture?

Johan Ku es un “¿diseñador?" taiwanés que estudió publicidad en Son-Shan High School of Commerce pero cuando descubrió su pasión por la moda realizó un post grado cuyo resultado es su colección Emotional Esculptures, premio Avant-Garde de la 11th Gen Art Styles International Design Competition.

(Photos vía Johan Ku)

Lula Mae is mad for... El arte de la moda de Phuong Thuy Nguyen

Para la mayoría de los que se dicen seguidores de la moda esta se reduce a cubrir el cuerpo, a ser posible con la marca más posicionada en el mercado y con el logotipo más grande, pero para otros muchos, la moda es un sistema mucho más complejo.

Algunos vamos más allá y tratamos de ver como influye en todas las esferas sociales, ya sea arte, publicidad, cine o literatura y, observamos, como en muchas ocasiones es muy difícil separar la delgada línea que los separa y ver donde acaba el arte y empieza la moda y viceversa.



Unconventional Body Objects es el nombre de las prendas tejidas con lana que ha creado Phuong Thuy Nguyen, unas auténticas obras de arte y un claro ejemplo de lo expuesto con anterioridad, ya que con ellas ha conseguido que la delgada línea que separa arte y moda se estreche aún más.




Todo el proceso de creación lo tenéis aquí.

Sobre Tom Ford, pájaros y Hitchcock

Tom Ford (EEUU, 1961) es considerado uno de los más influyentes diseñadores de la historia, más que por sus diseños, por ser el artífice de lo que se conoce como “hacer un Gucci”, esto es, reflotar una marca sumida en la ruina total y convertirla en objeto de deseo a nivel mundial.

Pero si Tom Ford fue capaz de sacar de la ruina a Gucci no fue por sus diseños (¿homenaje o plagio a Halston? Que cada uno juzgue…), sino por su deslumbrante punto de vista de la comunicación de moda.



Sus campañas publicitarias, de impecable producción, son provocativas, sexys, irresistibles e impactantes.

Se mueve como pez en el agua en esa delgada línea que separa lo sexy de lo vulgar y cumple el objeto de toda buena campaña: que se hable de ella.



Y cuando algo funciona, ¿por qué cambiarlo? Tom Ford abandonó el Grupo Gucci en 2004, en 2005 fundó su propia marca de moda y su filosofía en lo que a comunicación de moda se ha mantenido, y si no pasen y juzguen la campaña para el próximo AW 10.11, fotografiada por él mismo.

Nicolas Hoult, actor de “A single man” y Freja Beha Ericsen son los protagonistas del bello homenaje que Tom Ford le dedica a la película “Los Pájaros”.

(Las fotos que ilustran este post corresponden a dicha campaña; el resto en su web)

De moda, arte y libros. Hermès

La comunicación de moda no conoce límites. En esta ocasión es la casa Hermès la que pone el arte a su servicio (al de la comunicación, se entiende) y encarga a la editorial Thames&Hudson la publicación del libro The Hermès Scarf. History and Mystique.





La autora es Nadine Coleno y en él desgrana la historia del carré Hermès, el pañuelo más famoso de la historia y símbolo de la elegancia por antonomasia, el cual se ha convertido en algo más que un accesorio de moda: es una leyenda.

De él se han producido más de dos mil unidades desde que en aquel lejano 1937 el nieto de Thierry Hermès fabricó el primero en Lyon.

Scoop Canela: Gilles et Dada

Nostylebutgoodsense, es el nombre del último proyecto de los finlandeses Gilles et Dada de los cuales ya hemos hablado en otra ocasión en Canela Fina.

Federico Cabrera, fotógrafo habitual de este dúo de creadores, ha realizado unas imágenes con un leguaje visual muy sensual cuya característica principal es la deformación que imprime a sus fotografías pero que no impide captar las tendencias que nos proponen Gilles et Dada para la próxima temporada OI 10.11.









Aquí os mostramos una pequeña selección, el resto en su página web.

Lula is mad for... Erez Tom High

I am really mad for Erez Tom High, twenty-five years old and from Tel Aviv.

I had never heard of him before reading and interview in See Like Me.

Erez Tom High is a young photographer to watch, his work is fascinating, awesome and perfect.

(vía See like me)

Scoop Canela: Le Creative Sweatshop

Le Creative Sweatshop nace en enero de 2009 del encuentro entre Ndeur y Make a Paper World en Toronto (Canadá).




(Instalación para los escaparates de La Rinascente en Palermo)

Mathieu Missiaen, pintor y escultor autodidacta de origen francés, emigró a Canadá en 2007 donde fundó Ndeur Shoes y se centró, sobre todo, en la personalización de zapatos vintage.

Julien Morin, también de origen francés, estudió comunicación y marketing. En 2007 lanza su primer Paper Toy y desde entonces el papel y el DIY (do it yourself o háztelo tu mismo) es la base de todas sus campañas de comunicación y Make a Paper World es su filosofía.




(Editorial para la revista WadMag)

Si queréis ver todos los trabajos de esta pareja de creadores no dudéis en visitar su página web, todo un lujo. Imprescindible el realizado para Amusement Magazine.

(Editorial para Amusement Magazine)

Paco Rabanne o el arte de la metalurgia

La década de 1960 es una década en la que los jóvenes se rebelan en contra de sus padres y desarrollan una marcada actitud política como consecuencia de los complicados conflictos internacionales que se suceden y que influyen con profundidad en toda la estética que envuelve la década.

Las nuevas prendas tenían que ser anti-convencionales, ingeniosas e irreverentes. Entre todos los diseñadores que surgen en esta década Paco Rabanne (España, 1934) supo aunar a la perfección dichas características.



Estudió Arquitectura, y antes de abrir en 1967 su casa de alta costura en París, trabajó como diseñador de accesorios para Courrèges, Cardin, Nina Ricci, Dior, Balenciaga y Givenchy y como diseñador de calzado para Charles Jourdan.

Plástico, metal, papel con hilos de fibra de nylon®, cota de malla, fibra óptica o cuero fluorescente, son algunos de los materiales “ajenos” hasta entonces a la moda con los que Paco Rabanne construyó sus mejores piezas.





Son prendas de líneas geométricas muy depuradas imposibles de llevar, pero que son auténticas obras de arte, como lo confirma el hecho que muchas de ellas hayan sido adquiridas por museos, entre ellos el MoMA de Nueva York.

Es además el responsable del vestuario de algunas de las películas mas rompedoras de la década de 1960 como Barbarella de Roger Vadim y Two for the road de Stanley Donen.



Es un inconformista e innovador que ha impactado con sus creaciones y cuya audacia a la hora de crear sus prendas ha sido, es y será, un referente en el mundo de la moda.

Algunas de sus mejores creaciones las podéis ver en este enlace de su página web o, si os podéis desplazar hasta Portugal, en la exposición Paco Rabanne, designer and rebel, hasta el 4 de julio de 2010 en el Estoril Fashionart Festival.

¿Qué tienen en común Guy Bourdin, Irving Penn, Helmut Newton y Diane Arbus?

La respuesta es muy sencilla, gracias a la influencia de cada uno de estos maestros de la fotografía del siglo XX hoy en día podemos disfrutar del esplendido, original y maravilloso trabajo de Christian Kettiger.

Christian Kettiger (Suiza, 1962) llegó a París en 1985 dónde comienza su carrera como fotógrafo profesional siendo el asistente de Steve Hiett para, en 1986, dar el salto y publicar sus fotografías en Marie Claire (Italia, España y Reino Unido) y Vogue Bellezza. Desde 1990 colabora de forma habitual con Elle Francia.

Guy Bourdin y su trabajo en Zoom Magazine hizo que decidiera convertirse en fotógrafo, Irivng Penn le descubrió la capacidad de iluminar una fotografía sin ningún tipo de artificio y Helmut Newton, sinónimo de elegancia, sofisticación, fetichismo y mujeres de piernas infinitas, le descubrió el erotismo elevado a la categoría de arte y su influencia queda patente en su serie dedicada a la lencería.





¿Y dónde se sitúa la influencia de la transgresora Diane Arbus? Pues su influencia queda más que patente en su trabajo más personal.

Diane con su extraordinaria capacidad para retratar con respeto e impacto personas excluidas por una u otra razón de lo que nos han enseñado como “sociedad normal”, ha hecho posible que el trabajo más personal de Christian Kettiger sea eso, personal e intransferible; y para muestra un botón, su trabajo más reciente, realizado en un pueblo de EEUU en el que retrata con sencillez y emoción a todos los miembros de un circo.

(Photos by Christian Kettiger, más en su web)

De cuando en Europa se vestía a la española... Black is black

(Golilla. Anónimo)

En el siglo XVI, no existían las pasarelas de Milán, París o Londres, pero Felipe II, que por aquel entonces reinaba en España, consiguió que toda Europa vistiera “a la española”.

Felipe II, de la dinastía de los Austrias, embelesó a todos con la forma de vestir de la Corte española, puso de moda la golilla, el guardainfante, el verdugado y la saya, transformó el negro en tendencia universal y lo internacionalizó como el color de la elegancia, el poder y la posición social hasta que, en 1660, llegó Luis XIV se casó con la infanta María Teresa y la moda parisina y sus excesos tomaron Europa.

(El guardainfante por Velázquez)


En el museo MoMu de Antwerp puede verse hasta el próximo 8 de agosto la exposición BLACK. Masters of Black in Fashion & Costume en la que se analiza la influencia del color negro en la pintura y en la moda a lo largo de la historia.

Negro ébano, negro azabache, negro antracita, negro alquitrán, negro carbón, negro noche, negro betún, negro pez… Diferentes tonalidades para un mismo fenómeno: la ausencia total de color.



(Ann Demeulemeester)

Ann Demeulemeester, Olivier Theyskens, Riccardo Tisci para Givenchy, Chanel o Gareth Pugh entre otros, son algunos de los diseñadores cuyas prendas ilustran esta exposición porque, con sus maravillosas creaciones, han conseguido que prevalezcan las connotaciones positivas de elegancia y sobriedad del color negro sobre las negativas de muerte, luto, pena o superstición.

(Olivier Theyskens para Nina Ricci)


(Gareth Pugh)


(Riccardo Tisci para Givenchy)

(Photos via style.com)

Deborah Turbeville... Un perfecto pasado imperfecto

Deborah Tuberville (EEUU, 1938) nació y creció en Nueva Inglaterra pero a los diecinueve años se trasladó a Nueva York donde comenzó su andadura como editora de moda en Harper’s Bazaar para terminar siendo una de las fotógrafas más originales y enigmáticas que hay en el panorama actual.

Tiene un sentido de la composición muy particular lo que hace que sus fotografías sean inconfundibles.

Cuando ojeamos sus editoriales de moda, que publica de forma regular en Vogue, L’Uomo Vogue, Zoom y W, podemos observar como las modelos, las prendas y el atrezzo están situados en un aparente azar, es como si no interactuasen entre si, lo que da lugar a unas oníricas atmósferas cargadas de dramatismo, misterio y ambigüedad.