"No fashion, please!"

(Steven Cohen/Marianne Greber, Golgotha – Portrait #10, 2007 © Steven Cohen; Foto Photo: Marianne Greber und/and VBK Wien, 2011, Courtesy Steven Cohen und/and Marianne Greber)

La Moda no es un ente aislado, intersecciona con todas las disciplinas que están a su alcance, de ahí que encontremos sus raíces en la arquitectura, el arte, la filosofía o la tecnología.

Ya lo dijo Roland Barthes, le mode es un experimento que evoluciona a lo largo de la historia y de su historia, y les modes es un experimento en el que entran en juego los gustos estéticos de cada época.



(Viviane Sassen, HKA01, 2006, © Viviane Sassen, Courtesy Viviane Sassen)

Si a esto le unimos que el ser humano es, ante todo, un animal visual que aprende a interpretar el lenguaje corporal antes que el lenguaje hablado o el escrito, entonces la exposición No Fashion, please!, no es una exposición al uso.

En ella, no se trata de resaltar la belleza de la indumentaria, sino que, tanto artistas como fotógrafos, han tratado de establecer un dialogo visual entre cuerpo y moda.

Un dialogo que podría interpretarse como una variante del body art en el que el arte no está hecho en o con el cuerpo, sino que el cuerpo actúa como soporte y la indumentaria como léxico.

Bruce Weber, Leigh Bowery o Philip-Lorca diCorcia son algunos de los participantes en esta muestra que puede verse hasta el próximo 22 de enero en la galería Kunsthalle de Viena.



(Chan-Hyo Bae, Existing in Costume 1b, 2006, © Chan-Hyo Bae, Courtesy Aando Fine Art, Berlin)

Scoop Canela Vídeos: Frédéric Sanchez

Frédéric Sanchez es el sound illustrator de los desfiles de moda por excelencia. Comenzó colaborando y componiendo música para otros artistas hasta que llegó Martin Margiela y le encargó la música de uno sus desfiles. Todo cambió.

Desde entonces, es el responsable de la música de los desfiles de Prada, Balmain, Valentino, Chloé, Givenchy, Miu Miu FW 2010, Anna Sui FW 2010, Marc Jacobs FW 2010, Calvin Klein SS 2011, Isaac Mizrahi SS 2011 o Alexander Wang SS 2011 (nombro alguna de las temporadas por si alguien quiere bucear en style.com y ver el desfile, pero sobre todo escuchar la música de Frédéric Sanchez).

En 2004 realizó su primera muestra colectiva en el museo del Louvre con una instalación de sonido llamada La Salamandra. Más tarde, en 2007, en la galería Serge Le Borgne presentó su primera exposición en solitario, Castles in the Air. Además es el responsable de la muestra que se celebró en la Cité de la Musique de París sobre Serge Gainsbourg y de la ambientación musical de la tienda de Prada en Tokyo.

Trabaja en estrecha relación con los diseñadores y analiza hasta el último detalle el desarrollo conceptual de cada colección. Esto da como resultado que su música minimalista no eclipse la puesta en escena del desfile, sino que acompañe a las prendas como si de una más se tratara.

Más en su web y en los desfiles en style.com

Lula Mae is mad for... Daniele Buetti

En la década de 1950, cuando Europa estaba asolada debido a las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial, los EEUU vinieron a su rescate a través del Plan Marshall.

Como contrapartida, por un lado, el inglés gana la batalla al francés como lengua oficiosa; por otro lado, nos disciplinan en un culto a la juventud, nos «inoculan» el gen del consumismo y convierten el marketing en casi una ciencia.

Daniele Buetti (Suiza, 1955) trabaja en muchas disciplinas artísticas, pero la que ha captado mi atención, sin lugar a dudas, es la intervención que realiza sobre fotografías que toma prestadas de revistas de moda.





Aunque Buetti es afín al existencialismo, la desconstrucción que realiza sobre dichas fotos, las perfora y atraviesa con una luz, se encuentra más cerca del post-estructuralista Derrida.

Se apropia de los iconos de moda, los vacía de belleza y glamour, y cuestiona así la finalidad de los medios de comunicación publicitaria.

Más sobre su trabajo en su web.

Scoop Canela Collage

(Jasper Johns, Racing Thoughts, 1983. Whitney Museum of American Art, New York)

El hecho de descubrir (y publicar aquí) hace unos días el short film que Damien Blottière realizó en clave de collage para Vogue.it, ha hecho que profundizara más en el trabajo de Damien hasta establecer que, la asociación comunicación estratégica de moda y collage como corriente artística, es una tendencia.

Fue en la década de 1910 cuando Picasso y Braque, casi simultáneamente, inventaron esta técnica al combinar pintura con objetos de uso cotidiano.


(Braque)
(Picasso, Naturaleza muerta con silla de rejilla, 1912)

Más tarde, en la década de 1920, los dadaístas con Marcel Duchamp y Man Ray con sus «objetos encontrados» como claros exponentes, combinaron fotografía con tipografía impresa y, junto con Ródchenko y las vanguardias rusas, hicieron de esta técnica una corriente artística.


(Marcel Duchamp)

A partir de este momento, el collage ha sido empleado por casi todos los representantes de las vanguardias artísticas del siglo XX: Antoni Tàpies, Jasper Johns, Damien Hirst, Henri Matisse, David Hochney o Tom Wasselmann por nombrar algunos.

(Antoni Tàpies, Jeroglíficos, 1986)

Casi cien años más tarde la técnica del collage ha evolucionado y se ha adaptado a los programas informáticos y a las tecnologías de forma que, el soporte que antes era físico ahora, en muchas ocasiones, es virtual.

Muchos de los artistas de los que me haré eco en esta nueva sección de CANELA FINA hacen uso de las tres dimensiones como soporte «físico» de sus collage.

Sobre moda, vanidad y una exposición en Viena

(Gjon Mili, T. Norell, Spring Fashions, Mushroom pleats © Gjon Mili / Getty Images)

Siempre he considerado la indumentaria como una forma de cultura que refleja los cambios, ya sean políticos, económicos, sociales u artísticos, que se producen en la sociedad en un momento determinado.

Por otro lado, siempre he considerado también la fotografía de moda como una manifestación artística, y no solo como un simple vehículo publicitario de la indumentaria. Sin obviar la pintura, es el medio que más se emplea para analizar y documentar estos cambios, así como para situarlos en una década o época determinada.

(F.C. Gundlach, „Pop Art-Fashion“, Grace Coddington. Minikleid von Daniel Hechter, Hamburg 1967, in: Brigitte 18/1967, © F.C. Gundlach)

Si durante la primera mitad del siglo XX, el glamour, la feminidad y la elegancia, fueron el centro de atención de la fotografía de moda, no fue hasta la década de 1960 con la llegada de Helmut Newton, Guy Bourdin e Yves Saint-Laurent que la moda miró y salió a la calle, y consiguió así, que la indumentaria se convirtiera en una manifestación artística que necesitaba se comunicada como tal.


(David LaChapelle, My House, Alek Wek, New York, 1997 © David LaChapelle / Art & Commerce)

En este sentido, la fotografía de moda se volvió más conceptual, ya no solo mostraba las prendas, sino que narraba una historia.

La exposición que se puede visitar hasta el próximo 12 de febrero de 2012 en el Kunsthalle de Viena lleva por título Vanity y gracias a las fotografías de Newton, Beaton, Avedon, Bourdin, Sara Moon, Lillian Bassman, William Klein, Irving Penn o Hoyningen-Huene, podemos analizar los cambios que se han producido en la comunicación de moda desde la década de 1920 hasta el presente.

(F.C. Gundlach, Brigitte Bauer, Op Art-Badeanzug von Sinz, Vouliagmeni/Griechenland 1966, © F.C. Gundlach)

(Photos courtesy Kunsthalle)

Scoop Canela Vídeos: Florence Welch "Not Fade Away"

Florence Welch es la más cool del momento, y lo es porque reúne tres de los ingredientes imprescindibles para serlo: estilo, belleza y sobre todo talento; en este caso, un talento innegable para la música, y prueba de ello es, que en el pasado desfile de Chanel SS 2012, ella fue la encargada de poner la banda sonora.

Florence Welch es cool porque ha conseguido que su indumentaria evolucione con su fama sin que eso suene a traición. Ha pasado, de un estilo retro que encontraba en las tiendas de segunda a mano, a un estilo retro avalado por Pucci, Givenchy o Chanel.

Florence Welch es cool porque en este vídeo, homenaje a Buddy Holly y rodado hace seis meses, podemos verla con el maquillaje (esqueleto-calavera) del momento.

(vía Nowness. Thanks)

Lula Mae is mad for... Marcela Gutiérrez y sus ilustraciones para Prada

Prada proyecta su imagen de marca a través de sus arquitectos de cabecera. Por un lado el holandés Rem Koolhaas, responsable de su tienda insignia en el Soho de Nueva York; y por otro, el estudio de los suizos Herzog&Meuron, autor de la tienda de Los Ángeles.

Ambos, galardonados con el premio Pritzker de arquitectura, han creado unos espacios físicos muy significativos que la marca emplea para comunicar su propia filosofía, filosofía que consiste en emplear dichos espacios con fines no comerciales.

En esta ocasión, las flagships del Soho de Nueva York y de Los Ángeles, se utilizan como una eventual sala de exposiciones en las que, la artista guatemalteca pero nacida en Florida (1978) y afincada en Barcelona Marcela Gutiérrez, expone su particular visión de las prendas de la campaña AW 2011/12 de Prada.

Para saber y conocer el trabajo de Marcela Gutiérrez aquí está el link de su web.